Après un premier album très remarqué, paru au printemps 2024, produit par son collaborateur et producteur Bill Ryder-Jones, l’artiste britannique revient avec un premier single annonciateur de son second opus. Elle nous raconte aujourd’hui son rapport au succès, à l’écriture, et à ses inspirations.
Credit : Rob Irish
VERSION ANGLAIS PLUS BAS // ENGLISH VERSION BELOW
LFB : Salut Amelia ! Merci de prendre le temps pour cette conversation. Tu viens de sortir ton premier single depuis le premier album. Comment tu te sens ?
Amelia : Bien ! J’étais un peu anxieuse à l’idée de sortir un titre après le premier album, qui a mieux marché que ce que j’aurais pu espérer. Les gens m’attendaient un peu au tournant, et vu que le titre est assez différent du premier disque, notamment en termes d’arrangement et de production, je n’étais pas sûre de la réception. Mais il a l’air d’avoir bien plu dans l’ensemble, ce qui me donne encore plus envie de sortir la suite – je pense que je suis entre de bonnes mains avec mon public !
Le single s’appelle « Something Wild » et il utilise le « you » au lieu du plus traditionnel « I ». C’est un retournement de perspective toujours assez intéressant – tu peux nous parler un peu plus de ce choix ?
En réalité, même quand j’emploie le « I », je ne m’exprime pas de mon propre point de vue. C’est souvent la perspective d’une personne que je connais, ou bien je me suis inspirée d’un personnage de fiction… Je lis beaucoup, et je pense que « Something Wild » est un assemblage de plusieurs livres que j’ai lus cette année. Je lis beaucoup d’Angela Carter par exemple, j’adore ses réécritures féministes de contes de fée, et puis j’aime aussi les contes de fée classiques, que je lis depuis que je suis petite. Pour revenir au « you », je l’emploie aussi parce que la chanson est un appel à agir – je m’adresse aux femmes notamment, mais à n’importe qui en réalité. Du coup, employer le « je » dans ce contexte aurait été un peu hors-sujet.
Je me suis intéressée à Angela Carter après avoir lu que tu t’inspirais de son travail – elle parle notamment de la réécriture des contes de fée comme d’une façon de parler des conditions réelles de notre existence contemporaine – qu’est-ce qui te plaît particulièrement dans son œuvre ?
J’aime beaucoup son écriture, vraiment. C’est très lyrique. J’ai commencé à la lire quand j’étais en train d’écrire le premier album. Je me rappelle m’être dit « wow, on peut se servir des mots pour créer des métaphores riches et peindre des images » – je n’avais jamais eu cette approche. J’ai toujours aimé lire, mais je m’y suis encore plus plongée ces trois ou quatre dernières années. Et j’ai l’impression que mon écriture a évolué en conséquence. J’ai été très inspirée par ce style poétique, assez descriptif, et par la symbolique de son travail. Et puis j’aime beaucoup cette idée de réécrire les contes de fée. Angela Carter invente ses propres histoires, bien sûr, mais elle reprend aussi ces récits vieux de plusieurs siècles – je ne chante pas de folk traditionnelle, mais je crois qu’il y a quelque chose de fort dans la réécriture de ces choses anciennes.
Comment décrirais-tu ton rapport à la tradition justement, et à la subversion de cette même tradition ?
Ma musique s’inspire d’artistes plus anciens, comme Scott Walker, Joni Mitchell… Des traditions et des grand esprits musicaux du passé. J’aimerais penser que je ne ressemble pas trop à quelqu’un d’autres, même si on peut évidemment entendre mes influences. Ça reste mes histoires, et mes propres interprétations – c’est d’ailleurs comme ça que tout le monde crée ! Par exemple, quand j’ai fait « Something Wild », je savais que je voulais une section de cordes, mais j’ai dit à mon producteur que je ne voulais pas des petits violons un peu classiques, qui auraient tiré la chanson vers un univers spécifique. Je voulais une vibe un peu plus cinématique, un peu plus moderne en ce sens. Donc ce n’est pas simplement le sujet d’une chanson qui compte mais évidemment aussi comment elle est produite.
Les artistes, en règle générale, sont défini.es par les ressemblances, et par les variations. A qui on ressemble, et combien on s’éloigne des attentes. Comment perçois-tu les deux extrémités de ce spectre ?
D’abord, je joue du ukulélé – ce qui a tendance à subvertir les attentes. Quand les gens voient une fille seule sur scène au ukulélé, iels s’attendent globalement à des reprises des chansons de 2010 avec trois accords. Mais j’adore faire des suites d’accords inattendues au ukulélé, et en jouer comme d’une guitare. A part ça, je dirais que les gens me comparent souvent à Kate Bush – ce qui me surprend, à part pour le côté voix un peu plus aigüe que la moyenne peut-être. C’est marrant, c’est souvent direct « Kate Bush ! » – je suppose que s’éloigner des attentes, c’est parfois ressembler à quelqu’un.e d’autre mais ne pas jouer comme lui ou elle. Ah et concernant mes concerts, il y a un mélange maintenant entre des ballades folk et des chansons plus lourdes, plus rock. Le prochain titre que j’enregistre est d’ailleurs plus sombre, et tout l’album qui vient est plus mature. Je couvre des sujets qui ne sont pas souvent évoqués, du moins dans la sphère publique… je suppose que ça fait aussi partie de ce mouvement loin des attentes.
Tu viens de mentionner le ukulélé – la réponse habituelle à ce genre de configuration c’est « oh une joueuse de folk toute mignonne ! » Evidemment, rien de mal à ça, mais cette réaction laisse assez peu de marge de manœuvre en tant qu’artiste pour exprimer toutes les facettes de sa créativité. J’ai lu quelque part que, petite, tu rêvais de devenir une rockstar. Est-ce que tu as l’impression, aujourd’hui, de parvenir à explorer toutes ces facettes justement ?
Je porte toujours en moi les attentes d’un public qui m’a découverte quand je jouais seule sur scène, au ukulélé. Quand je joue mon set un peu plus rock, je pense qu’il y a un élément là-dedans qui me retient un peu. Mais ma carrière vient de commencer, et c’est le moment parfait pour explorer, surtout avec le groupe. C’est vrai malgré tout qu’on juge plus les femmes dans l’industrie de la musique – j’en parlais avec une amie récemment, et on se disait qu’on avait plus de pression à s’habiller de façon originale, à se rendre plus intéressantes à regarder. Les hommes peuvent jouer une chanson d’amour basique en jean t-shirt et on se dira « oh wow ! ». Si je faisais la même chose, j’ai l’impression que le public aurait une réaction type « ça a déjà été fait ». Je ressens parfois cette pression de faire les choses différemment, d’être originale. C’est bête, parce que j’aurais de toutes façons envie de faire les choses différemment, mais il y a en effet une certaine pression à le faire. C’est marrant, parce que, petite, je n’avais aucune ambition de devenir une chanteuse folk. Je n’en écoutais jamais – à la maison, c’était les Pixies, les Smashing Pumpkins, Radiohead… C’est cool pour ça de travailler avec le groupe sur mon prochain album. Je ne vais pas passer au full électrique, mais il y aura certainement plus aspects rock.
Comme tu viens de le dire, les femmes sont plus enjointes que les hommes à se réinventer dans le monde de la musique. D’expérience, je m’empêche parfois d’écrire des chansons qui me viennent simplement de peur d’être trop « basique » (quel crime). Est-ce tu as parfois l’impression d’être mise dans une case dont tu ne peux pas sortir ?
Absolument. Par exemple, j’ai commencé à co-écrire récemment. C’est intéressant, parce que les gens avec qui je collabore savent que j’emploie des progressions originales, et veulent tout de suite en utiliser dans ce que l’on fait à plusieurs. Et je dois dire « non, non, je ne sais pas faire que ça ! Utilisons des formules plus simples, ça me va ! » Evidemment, dans mes propres chansons, je ne fais pas que du Do/Ré/Sol, mais je pense que c’est un très bon challenge. Je suis d’ailleurs complètement admirative des artistes qui parviennent à écrire des chansons intéressantes avec seulement quelques accords. Avec cet album, je disais à mon manager l’autre jour « Mon dieu, aucune de ces chansons n’est un single ! » Je les adore, mais elles ne seront peut-être pas jouées à la radio. Soit elles sont trop sombres, ou bien pas assez catchy. Et il m’a dit, à juste titre : « tu pourrais écrire une chanson parfaitement calibrée pour la radio, et elle ne serait pas forcément choisie ». Il a raison, il ne faut pas trop se laisser devenir obsédé par cette quête impossible. J’essaie d’écrire comme j’écrivais avant, sans me demander si tel ou tel titre deviendra mainstream – il y a de grandes chances que ça n’arrive jamais de toutes façons !
Et on n’a aucun contrôle ! Tu viens d’en parler un petit peu, mais je suis toujours fascinée par les différentes approches à l’écriture. Ça dépend tellement des gens, et même pour une même personne, ça évolue en permanence. Tu dirais que ton rapport à l’écriture a changé après le succès de ton premier album ?
Oui – maintenant je vois l’écriture comme un travail à plein. Je me retrouve à attendre les vagues d’inspiration qui venaient quand j’étais seule chez moi après une journée à la fac, plus jeune – j’ai toujours l’impression que c’est dans ces moments-là que je produis mon meilleur travail. Mais je savais que pour ce second album, quelque chose devait changer dans mon approche. Je me suis mise à écrire presque tous les matins, même quand c’était mauvais. Tout cela fait partie du processus. Et puis pour revenir à la co-écriture, ça m’a aidé aussi à renforcer ma pratique. C’est un mentor à moi qui me l’a conseillé, si je voulais sortir de ma zone de confort. Quand ça marche, c’est génial – on a l’impression d’avoir deux cerveaux focus sur un même objectif. Alors que quand on écrit seul.e, on peut se retrouver à devenir ultra critique. Bref, c’est une nouvelle pratique que j’apprécie dans l’ensemble.
Est-ce que tu trouves que tu écris différemment quand c’est juste pour toi et quand tu as le groupe en tête, ou même les arrangements plus élaborés en studio qui t’attendent ?
Complètement. Je travaille avec Bill Ryder-Jones et il est, entre autres, excellent avec les sections de cordes. Rien que cette semaine, je lui ai apporté une chanson dont je ne savais pas trop quoi faire en termes d’arrangement, et il a orchestré tout un mouvement en dix minutes. Je me suis dit « wow ». C’est sûr que ça a rendu le processus plus intéressant d’avoir tout ça à disposition, et plus d’options pour se dire « on pourrait faire un break instru ici, ou bien une autre section… » parce que ce n’est plus juste moi sur scène.
Tu viens de mentionner ton producteur, Bill Ryder-Jones, qui a aussi travaillé sur le premier album. Tu peux nous parler de ce qui rend cette relation de travail si précieuse ?
Il a un esprit créatif incroyable. Il est très talentueux et très intuitif – c’est ce que j’aime chez lui. En ce qui me concerne, je me retrouve souvent à avoir plein d’idées, sans réussir à m’exprimer comme je le voudrais, même dans des contextes d’interview comme celui-ci ! Avec Bill, je peux arriver avec une chanson, et au maximum une référence, et il va tout de suite comprendre ce que je veux. Voire, anticiper ce que je veux avant que je le sache moi-même. Il n’a jamais proposé d’idée que j’ai trouvée mauvaise. Bien sûr, il me surprend parfois, mais j’ai appris à accepter le processus – encore plus après le succès du premier album. A la fin de l’enregistrement, je me dis toujours que j’ai eu raison de l’écouter, même si je n’étais pas nécessairement convaincue au début. J’aime bien le fait qu’il soit prêt à s’approprier mes chansons.
En quelle mesure cette élément de surprise te motive-t-il ? C’est un luxe de savoir qu’il peut, comme tu dis, s’approprier les chansons ?
Entièrement. Certaines chansons du premier album avaient fini par me lasser, à force de les jouer pendant des années. Mais il est parvenu à leur donner un nouveau souffle, auquel je ne m’attendais pas. Ma chanson « Dublin Serenade » par exemple – il a réussi à la produire comme si elle venait de Pet Sounds. Même pour ce second album, il y a certaines chansons dont je n’étais pas tellement sûre, mais je me suis dit « laissons Bill en faire son affaire ». Et j’ai eu raison. Ça me pousse à être plus patiente maintenant, à attendre la version studio avant de décider si j’aime une chanson ou non.
C’est intéressant parce que certain.es artistes jugent la qualité d’une chanson d’après le squelette : en gros, si elle tient la route en guitare-voix, c’est qu’elle tiendra la route en studio. Pour toi, est-ce que tu as ce déclic plus tard dans le processus du coup ?
Quand j’écris, j’ai en effet un instinct – je sens si je tiens quelque chose ou non. Mais il y a certains titres où c’est plus dur de savoir, au début, s’ils vont marcher avant d’avoir entendu l’arrangement – surtout si celui-ci est un peu complexe, avec des synthés, des cordes, etc. Rien que cette semaine, j’ai encore fait cette expérience en studio. Mais je sais que ce n’est que ma seconde expérience d’enregistrement, et je découvre encore beaucoup. C’est un peu comme ce que me disait mon manager l’autre jour sur le coup des singles : on ne peut pas vraiment savoir ce qui fera un single sans entendre l’album entièrement arrangé et produit.
L’écriture du second album est un phénomène très célèbre : après avoir accumulé des chansons pendant des années, qui sont toutes parties sur le premier album, il faut se remettre au travail en un lapse de temps bien plus resserré, et beaucoup de gens ressentent une pression toute nouvelle. Comment approches-tu ce challenge, mentalement ?
C’est clairement l’une des choses les plus dures que j’ai faites dans ma vie. J’ai parfois l’impression que mon premier album comprenait tous mes hits, et que je dois recommencer à zéro. Je sais qu’on n’est jamais vraiment à court d’idées, mais parfois, c’est un peu le feeling. Par exemple, sur le premier disque, j’avais des histoires de voyages… et les gens en redemandent ! Et je dois dire « désolée les gars, tout a été utilisé, et je vis à la maison depuis deux ans ! » Mais j’aime aussi le changement, et avoir une approche différente. Je lis des livres sur la création en ce moment, qui m’aident bien. Par exemple, The Creative Act. Je vais paraphraser, mais c’est dit dedans qu’il ne faut pas chercher à créer son meilleur art, parce qu’on ne l’atteindra de toutes façons jamais. Il faut accepter que chaque acte créatif correspond à un nouveau chapitre. Certainespersonnes aimeront peut-être moins, et ce n’est pas grave. Evidemment, je travaille très dur et je fais de mon mieux, mais si le second album ne marche pas autant que le premier, il me restera toujours du temps pour écrire et créer. C’est aussi le bon moment pour explorer et expérimenter.
Et on n’a pas le contrôle de toutes façons sur ce que les gens vont aimer ou non. Parfois, les chansons qu’on aime le moins sont celles qui plaisent le plus, et il n’y a aucun moyen de le prédire !
Exactement ! Ma chanson « Sleepy Town » ne me plaisait pas tant quand je l’ai écrite et elle a fini par devenir l’une des plus écoutées ! Il y a toujours un public. Même si le public du second album n’est pas le même que pour le premier, c’est excitant.
Sur un tout autre sujet, j’ai vu que tu étais beaucoup en tournée cette année. Les tournées sont à la fois très inspirantes et très fatigantes. Quelle est ton expérience ?
C’est une relation amour/haine. Quand le concert s’est bien passé, que je faire une bonne nuit, ou bien que j’ai été suffisamment payée pour offrir une chambre d’hôtel au groupe, c’est chouette. On s’entend bien, et c’est moins solitaire, forcément. Mais je trouve que c’est très difficile de tourner. Cette année j’ai été beaucoup sur les routes, et ça a fini par m’affecter physiquement et mentalement. Quand on est loin de chez soi, on ne mange pas correctement, on ne fait pas de sport, etc… et, personnellement, j’ai besoin de huit heures de sommeil, sinon je me transforme en véritable monstre ! J’aime beaucoup jouer en live, mais même quand ça s’est bien passé, il y a une sorte de retombée d’adrénaline qui affecte le moral. Je me retrouve à rester éveillée pendant des heures à me repasser le show dans ma tête, et à être dure avec moi-même. Pour faire court : j’aime bien tourner, mais l’an prochain, j’espère avoir plus de pauses. Et être capable de me ménager davantage : refuser les fins à 23h par exemple, quand je joue le lendemain. Même avant le spectacle, je ne viens pas voir le public, j’ai besoin de mon temps à moi… tout ça, respecter un peu plus mes limites en résumé.
On touche à la fin de cette interview – petite question sur ta collab de rêve ?
Je devrais noter les noms quand j’y pense ! Attends… Rufus Wainwright par exemple – il est bien plus avancé dans sa carrière que moi, bien sûr, mais rien que de m’asseoir avec lui et lui poser des questions serait cool. Ah et Neil Hannon. Ces deux-là, je dirais, seraient des collab de rêve. Leurs chansons sont à la fois très narratives, mais beaucoup plus pop. Ils ont réussi à percer dans le mainstream, et j’aimerais savoir comment écrire des chansons intéressantes qui captent un large public.
Merci de m’avoir accordé ce temps – la dernière question est classique : qu’est-ce qui t’attend ces prochaines semaines, ces prochains mois ?
Terminer l’album ce mois-ci, déjà, puis jouer mon plus gros show à Londres, au Royal Albert Hall. Ils ont un tremplin pour les artistes émergents, et je fais partie du line-up à la fin du mois d’Octobre. Ensuite je pars en tournée avec Rianne Downy, une chanteuse country géniale. J’ouvre pour elle, donc les soirées seront un peu plus détendues, et je pourrai plus profiter de mes nuits ! Et puis un show de Noël dans ma ville natale en décembre, avant de sortir de nouveaux titres l’an prochain. J’ai hâte !
Merci pour ton temps, et tout le meilleur pour la suite !
VERSION ANGLAISE // ENGLISH VERSION
LFB: Hi Amelia! It’s lovely to talk to you. You’ve just put out your first single since your debut album. How do you feel?
Amelia: It’s nice! I was quite nervous to put out new music after the first record, which did better than what I could have expected – people were really excited to hear more new stuff, and this is quite different, especially in terms of arrangement and production so I wasn’t sure how people would react. But it’s done really well so I’m actually looking forward to putting out new music now – I feel like I’m in good hands with my audience!
The song is called “Something Wild” and it uses the ‘you’ instead of the ‘I’ which I always think is an interesting ploy, turning that camera around and addressing the audience directly. Could you elaborate on that choice?
I actually don’t often write from my own perspective, even with the ‘I’. It’s usually about someone I know or based on fictional characters or stories – I read a lot, and I think “Something Wild” is an amalgamation of different books I’ve consumed in the last year. I read a lot of Angela Carter, including her feminist retelling of fairytales, and I read fairytales in general – I’ve done so since I was a kid. As for the perspective, I used the ‘you’ cause I felt like it was a direct call to action to break free, you know, to women, to people in general. It would have been strange to use the I in that context.
I looked into Angela Carter after reading elsewhere that you liked her work – she talks about the impact of rewriting fairytales to explore real conditions of everyday life, and about the power in subverting those old stories. What inspires you specifically in her writing?
I really love it, it’s really lyrical. I started reading a lot more of hers when I was writing the first album. I thought “wow you can really use words to create metaphors and paint pictures” – I hadn’t thought about it like that before. I was always an avid reader but I got more into it these past three or four years. I feel like my lyrics have definitely improved, or at least become more poetic – I would have been inspired by that very descriptive writing, and the imagery in her work. And I also love that idea of retelling fairytales. She’s writing her own stories, but also using centuries-old ones. Although I don’t sing traditional folk songs, I think there’s something in taking these old stories and rewriting them.
What’s your relationship with this theme of subverting traditions?
I think my music takes a lot of inspiration from older artists and minds in music, like Scott Walker, Joni Mitchell… So you’re harking back to traditions gone by in former music. I’d like to think that my music doesn’t sound too much like anything else, even though you can hear influences. It’s still my fresh take and it’s how I’m taking it forward. When I did “Something Wild” for example, I wanted strings – but I told my producer that I didn’t want ‘typical’ fiddles, you know, or to take the song into that specific world. I wanted more of a cinematic vibe, I wanted it to be a bit more modern in that sense. A lot of it is not just in the writing, but how you produce it.
I think a lot of artists are described by both who they sound like and how far away they stray from expectations. What’s your relationship to both ends of that spectrum?
Well, first, I play the ukulele, and that’s already subverting expectations because people seeing a young woman alone on stage with a ukulele expect a cute cover from a 2010 song with three chords. But I love playing it like a guitar, with unusual chord progressions. Other than that, I often find people say that I sound like Kate Bush – it’s funny because I don’t think I do, apart perhaps from having a slightly higher pitch than usual. It’s funny how so many people immediately go “Kate Bush!”. I guess subverting expectations is sometimes looking like someone but not sounding like them or performing like them? My live shows especially are a real mix of ballad-folk tunes and heavier songs. My next song I’m recording now is darker in tone and it does feels like a coming of age album – I’m covering topics that might not usually be talked about in the public sphere. I suppose that’s also taking away from what people expect.
You’ve just mentionned playing the ukulele on stage – there’s usually a go-to response from people, like: ‘Oh cutesy folk singer!’ While there’s nothing wrong with that at all, it leaves little elbow room to be percieved as multi-faceted. I read that quote somewhere about you wanting to be a rocsktar when you were a child. Do you feel like you can explore it all now?
I always have the expectations of the audience because of what people know from when I was only playing the ukulele. When I do those rock song, that might hold me back a little bit. But I’m also so early in my career that it’s a nice time to experiment, especially with the band. When you’re a woman with a guitar or ukulele, people immediately go towards folk/country – I was talking to a friend about this: as a woman in the industry, you always feel like you have to dress differently, or look differently to get attention. Men can just write a three minute love song on their guitar and be there in jeans and t-shirt and people will go “oh wow!”. If I did that, I feel people might say “It’s been done.” So sometimes I feel the pressure of doing something different – which I would do anyway – but there is that pressure. It’s interesting because as a child I never set out to be a folk singer, I never listened to any folk at all. At home, it was the Pixies, Smashing Pumpkins, Radiohead. It’s nice to work with the band now, and on my next project – you know, I’m not going to go full electric, but there’s going to be more elements of the rock.
As you said there’s more pressure to renew oneself as a woman in music, and talking from experience here, sometimes I prevent myself from writing straightforward ballad, because I’m afraid of sounding basic – God forbid. Do you sometimes find yourself making decisions for the wrong reasons, or to cater to expectations?
Definitely. For instance, I’ve been doing a lot of co-writing with friends and it’s been so rewarding. And it’s interesting because they’ll be like “you like weird chords, let’s do weird chords!”. And I’m there thinking “I don’t want you to think that I can only do weird! We can also do a three-chord structure!” For myself, I wouldn’t usually write in a C and G throughout, that would be “too basic” as you said, so that’s been a fun challenge. I’m actually in awe of artists who can make a really interesting song with a couple of chords, I think that’s the biggest challenge, like writing a good love song without sounding cliché. I think with this album as well, I was talking to my manager the other day, saying “Oh my god none of these songs are singles”. I love the material, but it might be that they’re thematically too dark or not catchy enough. And he told me “you could write a perfect song for radio and it still not get played”. Of course, he’s right, you don’t want to get too bogged down in it. It’s hard cause obviously you want to be successful and a lot of that is being played on the radio but I try to write as I used to before and not wonder if this or this song will be mainstream – chances are, they might never be!
Realistically, we have so little control over that. You’ve just touched on it, but I’m always so fascinated by different people’s approaches to songwriting – even for one person, it fluctuates. Would you say your practice of writing has changed after this initial success?
I approach writing as a job now – as I should, because it is my full-time job. Still, I find myself waiting for that wave on inspiration again, like when I was at uni and had a night free, and I’d just sit and play. I feel like that’s where my best work comes. It took me ten years to write that debut album and I knew that things had to change for that second one, so I made myself write almost every morning, even when it was bad, cause that’s just part of the process. So that’s how it’s changed: now I sit down and work no matter what. But also coming back to co-writing, which was a massive fear of mine – a mentor told me it’d be a great exercise to challenge my songwriting. I sort of love and hate it – if you’re with the right person, it’s like having two brains on one thing. When it works, it’s amazing. Whereas when you write alone you can get overly critical about yourself. It’s a new thing I’ve enjoyed for sure.
Do you find that you write differently for just yourself, and now with more possibilities of the band arrangement, and more production?
Absolutely. I’ve been working with Bill Ryder-Jones and, for example, he’s amazing a writing strings. Even this week, I came with a song where I had no idea what kind of arrangement I wanted and he just came up with this string section in ten minutes, and I was like “wow”. Before, I just wrote the song for me to play. It’s definitely been a bit more interesting writing with the producer or the band in mind, like “we could have a break there, a key change, we could do many things cause it’s not just me on stage”.
You’ve just mentioned your producer, Bill Ryder-Jones, who did the first album with you. You’re continuing your relationship on this new record – tell us more about that dynamic.
He’s just got an incredible brain, he’s so talented and very creative and intuitive. I like that about him. I often find, even in interviews like this, that I can struggle to articulate myself. I have it all in my head, but my thoughts wander a bit. With Bill, he can just hear my song, and with as little as a reference track, know what I want – even when I don’t know what I want myself! He’ll do something and that’s what I wanted subconsciously. He’s never done something where I’ve been “Mmm not keen on that!” Sometimes he’ll do something that surprises me – but also after the first album, and how well it went, I just trust the process. By the end of the song, I’m always like “good call”, even if I wouldn’t have thought it originally. I love how he can just take my song and run with it.
To what extent do you like that element of surprise? Is that a fuel for you now you know that Bill is there, ready to run with it?
Very much so. There were some songs on the first album that I’d gotten tired of after playing them for so long. He came in and gave them a new lease of life with these arrangements, which I wasn’t expecting. My song “Dublin Serenade” for example, he made it sound like it was on Pet Sounds. Even on this album, there were some songs where I wasn’t sure, but I thought “let him do his magic”. And he has. Now I’m more prone to waiting until the song is produced in the studio to know if it’s good. When you have the bare bones of the song, it can be hard to know whether you like it or not.
Some artists rely on the Bare Bones test : if it stands up by itself, then it’s a good song, whereas some, like you’ve just described, wait until they can make it somethaing else in the studio, with production. Is it always the latter for you?
When I’m writing, I get an instinct about whether or not a song will be good. You know, you start getting excited about a song, and you can’t stop playing it. But then there are some where it’s hard to know at first, especially if the arrangement is quite produced with strings or synths. I usually have to wait for the arrangements. I’ve done that this week – and it’s usually worked. It’s only my second time in the studio so I’m still discovering things. A lot of songs do rely on the arrangement. It’s similar to my thing about having no single – my manager told me you can’t know what’s a single without having the whole album produced.
It’s a famous trope that writing a second album is quite daunting – you’ve had years to accumulate all these songs and put them on a record, and now you’ve got to do it all again, in a shorter period of time. How are you approaching it, mentally?
It’s one of the hardest things I’ve ever done. It feels like my first album was my greatest hits, and now I’m starting from scratch. I know ideas don’t run out, but it can feel like that! On my first record, I had stories about travelling abroad, and people will say “I love your stories!” – I’m like, “they’ve all been used for the first album, sorry!” I’ve been doing nothing but living at home for the past two years! But I love the different approach. I’ve been reading a lot of music/self-help books, and they’ve helped me a lot. In The Creative Act, I’m paraphrasing here, but it says : “it doesn’t have to be your best work” – that’s helped me. You’ll never get your best work anyway, you’ll always look for more. It’s just a new chapter of my life, and people might not think it’s as good – I’m not putting pressure on it. Obviously, I’ve worked really hard and I’ve done my best, but if it doesn’t do as well as the first album, there’s always more time to write and create. This is my time to explore different songs and styles.
You also have no control over what will resonate with people. It’s sometimes the songs you’re the most unsure about that people really latch onto, and it’s like “well wouldn’t you know!”
Exactly. My song “Sleepy Town” off my first album was one of my least favorite when I wrote it and it became one of the more popular. There’s always an audience out there, even if it’s not the same as for my first record. That’s quite exciting as well, I could unlock a new audience and become the rockstar I always wanted!
I’m manifesting this for you. On another note, you’re touring quite a lot. It can be very inspiring, and is famously very tiring. What’s your approach to touring?
Again, it’s that love/hate relationship. When I’ve had a really good show, and I can get a good rest, then I really love it, or when I’m paid enough that I can pay for a nice hotel for me and the band. We get along really well and it’s a lot less lonely. But I also find touring really difficult. This year I’ve been on the road a lot and it did take a toll on my physical and mental health – being away from home, not eating properly, not exercising… And I really rely on sleep – anything less than eight hours and I’m a monster! I enjoy live gigs, but even then, when I’ve played a good show, I sometimes come home and still feel a bit sad. It’s all the adrenaline basically, so I can’t sleep for another four hours cause I’m reliving the whole thing, being hard on myself. Short answer: I really love touring, but it’s difficult, and next year I’d love to have more breaks in between. Also, telling venues I’m not doing an 11pm curfew, cause by the time we’ve packed up… if I’m giggin the next day… Now, I’m putting my own boundaries in play. Even before the show, I won’t be saying hi to the audience, I need my own time alone. I think, going forward, it’s about having those boundaries and making sure it works for me.
Wrapping up here, but I always have a question: what would be a dream collab for you, do you have one?
I wish I wrote these things down! Let me think… people like Rufus Wainwright – they’re way ahead of me in terms of career, but I’d even love to sit down and ask questions. Oh and collaborate Neil Hannon – those two would be at the top. Their songs are very narrative, but a lot more pop I’d say. They’ve managed to find that mainstream. I’d love to know how to write an interesting song that also breaks through.
Thanks so much for talking to me, I appreciate your time – last question is the classic: what’s next for you. Next couple weeks, couple months, what are you excited about?
Finishing the album this month, and then my biggest London show, at the Royal Albert Hall! They have a program for emerging artists, and I’m part of that on the 24th of this month (October), then I’m on tour with country singer Rianne Downey – she’s killing it, so that’ll be fun. I’ll get to enjoy the evenings without pressure cause I’m opening, so that’s fun. Then a hometown Christmas show, and then hopefully releasing more music next year! I’m excited.
Thanks so much for talking to me!