Les clips de la semaine #325 - Partie 1

Extrait de son nouvel EP Troisième mouvement, Dope musique voit H Jeunecrack plonger plus profondément dans l’introspection. Sur une production éponge, qui boit les humeurs sombres, l’artiste avance à nu, entre egotrip assumé et confidences glissées discrètement.

Réalisé par Etienne Saby, le clip adopte un regard distant, presque contemplatif. H Jeunecrack y déambule dans un décor d’architectures modernes, la mise en scène le présentant comme un tout petit homme dans un monde démesuré, où tout semble plus imposant que lui. Malgré cette profusion, la caméra reste fidèle à l’artiste, dont les mouvements apparaissent tour à tour flous, dissimulés ou au premier plan.

Le morceau, clin d’œil au titre dope sound de son ami proche Mairo, témoigne du plaisir croissant qu’H Jeunecrack trouve dans la création. Produit par l'artiste lui-même, esone et Thirdeye, il offre une introspection toujours plus détaillée, où l’artiste ne semble plus chercher à fuir. Fin d’une trilogie, mouvement en pause, le temps de prendre de l’élan à nouveau.

When The Night est le premier titre  d'Alamo, le septième album studio de Jake Bugg, sorti le 13 novembre 2026 chez Thirty Tigers. Premier disque enregistré en indépendant après une carrière passée sur de grands labels, il marque un retour aux influences roots, blues, rock et folk de ses débuts. Composé de onze titres, l'album a été produit par Jimmy Hogarth, collaborateur de longue date, et Steve McKewan. Plus mature et personnel, il explore les thèmes de l'amour, de la solitude et des épreuves qui façonnent un parcours.

« Après toutes ces années passées à tourner et à enregistrer des albums, j'ai simplement senti que le moment était venu de me recentrer sur moi-même. Ces deux dernières années ont été difficiles pour moi et j'ai dû faire face à de nombreuses épreuves », explique Jake Bugg. Avant d'ajouter : « Alamo ne pouvait fonctionner que si j'étais honnête et aussi vulnérable que possible. J'ai toujours eu beaucoup de mécanismes de défense et de barrières autour de moi. J'ai pensé qu'il était temps de les faire tomber. »

Avec When the night, Jake Bugg nous plonge dans les pensées qui surgissent lorsque la nuit tombe et que la solitude prend toute la place. Le sentiment de ne plus vraiment se reconnaître, l'envie d'être ailleurs ou quelqu'un d'autre, cette impression que le temps passe et que tout devient plus froid… Les paroles dessinent le portrait d'un homme confronté à ses propres fragilités. « Lonely, lonely, why am I so lonely? » revient comme une question presque impossible à chasser. Derrière sa simplicité, la chanson touche juste et traduit avec beaucoup de pudeur cette fatigue intérieure, ce besoin de trouver une issue à la douleur avec cet appel à sortir de cette spirale.

Musicalement, Jake Bugg fait le choix de la sobriété. Une guitare, une voix, une ballade folk simple, délicate et mélancolique. Le refrain nous fait ressentir ce sentiment de solitude et donne au morceau une dimension presque universelle. Pas besoin d'en faire trop : c'est justement dans cette retenue que réside toute sa force.

Le clip prolonge cette atmosphère introspective à travers un mélange de paysages, d'images de route et de séquences filmées de Jake Bugg, guitare à la main ou sur le dos, tournées il y a plus de dix ans, après sa performance au Beale Street Music Festival de Memphis. À l'époque, il avait profité de son passage dans la région pour partir en pèlerinage à Clarksdale, dans le Mississippi, sur les traces du légendaire Robert Johnson et de ses fameux crossroads. Ces images d'archives, mêlées aux paysages et aux scènes de voyage, donnent au clip une dimension nostalgique qui fait écho aux thèmes du morceau : le temps qui passe, les chemins parcourus et les traces que l'on garde de son passé.

Jake Bugg retrouvera le public français le 13 avril 2027 à La Cigale, à Paris, dans le cadre de sa tournée européenne autour d'Alamo. Une occasion de découvrir sur scène ce nouveau chapitre plus intime de sa carrière, entre folk, blues et confidences à cœur ouvert.

Quand l’actualité fait froid dans le dos, on choisit de croire que les vendredis 13 portent bonheur. Une théorie qui se confirme quand le jour même, MPL revient avec un nouveau single accompagné d’un clip haut en couleurs ! Neuf mois après la sortie de leur album Bisous Magique, le groupe revient avec Être moi (déguisé·e en fleur).

Le clip met en scène Arthur Dagallier, vêtu de tulle rose, bordeaux et rouge sur un fond couleur framboise. Seule sa tête ressort de ce costume de fleur qu’on aimerait lui piquer pour les fêtes. Non ? Vous trouvez que ça fait un peu trop ?

Peu importe, comme ils le disent si bien, tout ce qui compte c’est « pour une fois, être moi ». Sur un clip tout en simplicité, seul Arthur danse face à nous, profitant de son costume. Ils nous livrent un morceau dansant et feel good. Tout ce dont on avait besoin en cette fin d’année !

Dans le prolongement de Cavalier seul, Bleu Reine nous livre une nouvelle facette de son prochain album. Elle nous aura prouvé qu’elle est loin de l’être solitaire et cette fois-ci, elle complexifie son rapport aux autres. Ceux qui l’observent, qui projettent des idées sur elle, qui la soutiennent – un peu nous autres mélomanes au final – et qui ont des attentes. Bleu Reine questionne alors sa capacité à véritablement faire cavalier seul dans un monde où l’identité se construit plus ou moins consciemment à travers les autres. Les mêmes autres qui lui donnent d’affectueux surnoms qui feront le refrain « ma belle, ma chérie, ma chanteuse à moi, ma jolie »

Bleu Reine prend le décor d’une piste de course qu’elle pénètre sans passer par la case départ et décide de faire la course à sens inverse. Provocation ! Une piste d’athlétisme d’ordinaire c’est un sens de circulation, des couloirs et un objectif et non des moindres : franchir la ligne d’arrivée avant tout le monde. Mais Bleu Reine est bien décidée à montrer qu’elle n’est pas comme tout le monde. Elle peut vouloir gagner mais sans nécessairement selon les règles établies par les autres, elle ne veut pas courir mais faire les choses à son rythme, est-ce qu’elle ne contesterait pas simplement la notion même de réussite ? Derrière la caméra on trouve sa comparse de Bandeliers, Fanny Bonnaz.

Sur le plan musical, on retrouve les brumes à la limite du gothique chères à Bleu Reine – et ce n’est même pas la présence du corbeau qui vient nous souffler l’idée ! - l’obscurité domine et les notes presque industrielles viennent parsemer ce morceau mixé par un autre talent bien apprécié à La Face B : Gabriel Kröger !

C'est vraiment Noël avant l'heure avec Hozier et Jessie Buckley, qui revisitent l'incontournable « Fairytale of New York » des Pogues. Un duo que l'on n'aurait sans doute pas imaginé dans son bingo musical de 2026, et qui fait pourtant merveille. Deux magnifiques voix irlandaises se retrouvent autour de ce classique des fêtes de fin d'année pour une version plus sophistiquée dans ses arrangements, mais qui conserve toute la magie, l'émotion et la mélancolie de l'original.

Derrière ses airs de chanson de Noël, « Fairytale of New York » raconte une histoire d'amour cabossée, celle de deux êtres qui rêvaient d'une vie meilleure et se retrouvent confrontés à leurs désillusions. Tout commence un soir de réveillon, dans un commissariat new-yorkais, où un homme se remémore les promesses faites à celle qu'il aime. Broadway, les rêves de réussite et l'espoir d'un avenir radieux ont laissé place à la frustration, aux regrets et aux reproches. Un dialogue aussi tendre que brutal entre deux personnages qui s'aiment autant qu'ils se déchirent. Une chanson sur les rêves brisés et l'amour imparfait, qui illustre parfaitement le talent de Shane MacGowan pour mêler poésie, tendresse et désenchantement.

Musicalement, Hozier et Jessie Buckley s'approprient ce monument sans en gommer les aspérités. C'est une version irlandaise à 100 %, avec ses flûtes traditionnelles, ses arrangements généreux et ses voix puissantes qui s'entremêlent en parfaite harmonie. Là où Shane MacGowan et Kirsty MacColl donnaient au morceau son caractère brut et gouailleur, ce nouveau duo apporte davantage de sophistication et de nuances vocales. La complicité  fonctionne particulièrement bien sur le refrain, lorsqu'ils se rejoignent sur « The boys of the NYPD choir were singing Galway Bay » et les dialogues des couplets. Un moment qui donne immédiatement envie de pousser le volume et de chanter avec eux !

Quelques paroles ont été adaptées pour cette nouvelle version, notamment les insultes les plus controversées de l'original, remplacées par des formulations différentes, sans pour autant perdre l'humour grinçant et la dimension tumultueuse de cette histoire d'amour.

Reprendre « Fairytale of New York » n'était pourtant pas un exercice anodin. Hozier reconnaît avoir été quelque peu intimidé à l'idée de s'attaquer à une chanson aussi profondément ancrée dans le patrimoine musical irlandais. « Je dois avouer que la perspective m'impressionnait quelque peu. C'est une chanson tellement aimée en Irlande qu'on pourrait presque avoir l'impression qu'une partie appartient à toute l'île », explique-t-il. Il évoque Shane MacGowan comme l'un de ces artistes rares qui, de son vivant déjà, étaient entourés d'une véritable aura mythique. « Son œuvre est intimement tissée dans la trame de notre patrimoine musical et a profondément marqué toute une manière de faire de la musique en Irlande. Elle constitue un socle fondamental pour tout ce qui a suivi. » Avant de conclure : « C'était un honneur de pouvoir contribuer à cet album et, surtout, qu'on nous fasse confiance pour interpréter cette chanson. »

De son côté, Jessie Buckley raconte l'émotion particulière de retrouver le studio même où Shane MacGowan, Kirsty MacColl et les Pogues avaient enregistré le morceau. « Entrer dans ce studio et chanter cette chanson éternelle, qui appartient à chacun de nos cœurs et qui est remplie d'espoir et d'humanité, a été une joie pure », confie-t-elle. Et que dire de Jessie Buckley ? Décidément, cette femme sait tout faire !

Côté clip,  Marcus Rexford  nous propose une vidéo toute simple, sous la forme d'un making-of de l'enregistrement de ce duo aussi délicieux qu'inattendu. On retrouve Hozier et Jessie Buckley en pleine session studio, chantant ensemble, travaillant leurs harmonies et partageant de jolis moments de complicité. Les images les montrent également en train de feuilleter le livre consacré à l'enregistrement de la version originale des Pogues et de Kirsty MacColl. Un joli clin d'œil à l'histoire du morceau et à ceux qui lui ont donné naissance.

Une rencontre aussi inattendue que réussie, qui trouve naturellement sa place sur 20th Century Paddy – The Songs of Shane MacGowan, l'album hommage consacré à l'immense songwriter irlandais, auquel participent également Bruce Springsteen, Amble et Picture This. Un classique que l'on pensait connaître par cœur, mais qui trouve ici un nouveau souffle. Et une excellente raison de commencer à écouter les chansons de Noël un peu plus tôt cette année !

Il est bien connu que l’amour désoriente. Le groupe Ladaniva a partagé le clip de son ode au romantisme, Moranaluem. Il est question de sentiments confus, de la volonté d’oublier l’être aimé que l’on a quitté, pour finalement revenir vers lui.

Le duo franco-arménien s’amuse de ces contradictions du cœur dans un clip cuivré, chantant et festif. Le réalisateur arménien Artur Ustyan, déjà derrière leur précédent clip Margarita, signe ici un clip tourné dans une salle des fêtes. Ce décor renforce ce mélange presque nécessaire entre joie et mélancolie.

Une ambiance qui porte le dernier album de Ladaniva, intitulé Yasaman, sorti ce vendredi en simultané avec le clip de Moranaluem.

Avec Song From 2009, Dea Matrona signe un retour particulièrement séduisant. Le duo de Belfast nous embarque dans un indie-rock sombre et accrocheur, porté par des guitares nerveuses, une belle énergie et des harmonies vocales qui font mouche. Difficile de ne pas penser aux Arctic Monkeys, époque AM et de Do I Wanna Know ? , avec ce rock sensuel, nonchalant et terriblement efficace.

Ça parle de quoi, Song From 2009 ? Derrière son refrain entêtant, Song From 2009 raconte les tiraillements d'une relation compliquée dont on peine à se détacher. Entre attirance, frustration et jeux de séduction, le duo explore cette zone inconfortable où l'on sait qu'il faudrait tourner la page, sans parvenir à le faire. « What the hell am I supposed to do? / Try so hard to get over you ». 

Musicalement, Dea Matrona joue sur les contrastes. Les guitares sombres et enveloppantes installent une atmosphère presque hypnotique, tandis que le refrain gagne en intensité grâce aux harmonies vocales du duo. C'est rock, sensuel et puissant, avec une touche rétro qui rappelle les grandes heures de l'indie-rock britannique des années 2000.

À propos du morceau, Mollie McGinn et Orláith Forsythe expliquent : « Tout a commencé avec une boîte à rythmes vintage et une idée enregistrée sur un mémo vocal en tournée. La création de cette chanson a été une véritable exploration de toute une palette d'émotions. En tant que femmes, on nous apprend à réprimer nos désirs et notre sensualité, et nous voulions écrire un morceau pour nous réapproprier tout cela. Quelque chose qu'on aurait autrefois pu se sentir un peu coupable d'aimer. Comme cette chanson à la radio qu'on déteste, mais qu'on adore en secret. »

Écrit et produit par le duo, Song From 2009 s'inscrit dans la continuité de Hate That I Care, son deuxième album paru en juin 2026. Entièrement écrit, enregistré et autoproduit par Mollie McGinn et Orláith Forsythe, cet album marque une nouvelle étape pour Dea Matrona, qui explore des sonorités plus larges et des thèmes aussi personnels que politiques. Nous avions d'ailleurs rencontré le duo pour en discuter : l'interview est à retrouver par ici.

Côté clip, le titre s'accompagne d'un lyric video réalisé par arloday.co.uk, qui laisse toute la place à la chanson et à ses paroles. Une approche sobre pour un morceau dont les guitares, les mélodies et les harmonies suffisent largement à retenir l'attention.

Dea Matrona sera de retour en France en mars 2027, avec plusieurs dates au programme : le 20 mars à Toulouse, le 22 mars à Paris, le 23 mars à Nantes, le 24 mars à Toulouse, le 27 mars à Montbéliard et le 30 mars à Bordeaux, à la Rock School Barbey. Une belle occasion de découvrir sur scène ce duo irlandais rock et féminin qui n'a décidément pas fini de faire parler de lui.

Les toulousaines de MADAM sont de retour et comme à leur habitude, ça sera haut et fort ! Le deuxième album Hello Freaks est attendu pour le 5 mars prochain chez V2 Records & Break A Leg Record.

Après Bullshit, Shut up !. Après avoir balancé un connerie, on ferme sa g*****. En principe. Mais c’est quand même plus poussé que ça chez MADAM. La chanson explore la question de la nuit et des excès faisant surgir quelques démons qu’on a en soi mais aussi ceux qui nous entourent. La nuit devient le moment mais surtout l’endroit où ils se libèrent loin des conventions. On peut les accepter ou les faire valser. Shut up s’illustre alors comme un morceau émancipateur. La liberté d’être soi au cœur et espérer transformer le jugement des autres en un simple bruit de fond auquel l’invitation à se taire est plus que lancée.

Une rythmique solide, un chant franc avec des échappées pop et des guitares bien affutées, tous les ingrédients sont prêts pour une envolée en live puissante. Avec cette formule efficace, on ne doute pas de la capacité du trio à fédérer autour de son refrain hyper accrocheur.