Quelques heures avant de célébrer la sortie de leur nouvel album, LOVED, dans une Alhambra comble, nous avons retrouvé Parcels, et plus précisément Noah Hill, bassiste. Échange durant lequel on y parle reconnexion, amour, du pouvoir salvateur de la musique, ou encore de l’importance de communiquer, entre autres.
crédit : Drew Wheeler
VERSION ANGLAISE PLUS BAS / ENGLISH VERSION BELOW
LFB : Bravo pour ce nouvel album ! Qu’est-ce que tu ressens à l’idée qu’il soit enfin sorti ?
Noah : Merci. Pour être honnête, je me sens plutôt serein. C’est toujours un moment particulier de sortir un album. Le processus est long, et quand le jour arrive, tu réalises simplement que c’est enfin là. On a eu quelques semaines de pause récemment, donc je suis un peu en mode déconnexion. Et aujourd’hui, c’est la première fois que je me reconnecte vraiment à l’album. Je l’ai réécouté dans l’avion, en venant ici. Il y a quelque chose de spécial dans le fait d’écouter ton propre disque sur Spotify, comme si c’était la première fois, tu essayes de te mettre dans la peau de quelqu’un d’autre. Et j’ai ressenti quelque chose de très positif. Ça sonnait bien, j’en suis fier. Le processus m’a vraiment satisfait.
LFB : Day/Night a été composé dans des conditions intenses, alors que LOVED dégage une énergie très différente. Après une année sans tourner, comment cette pause a-t-elle influencé votre approche créative ?
Noah : Les chansons ont été moins répétées en amont. Pour Day/Night, on passait énormément de temps ensemble à répéter, à travailler les morceaux en live, dans la même pièce. Là, c’était tout l’inverse : on était très éloignés les uns des autres, parfois même dans des coins opposés du monde. Du coup, les chansons se sont construites de manière beaucoup plus individuelle, morceau par morceau. Il y avait une vraie séparation dans le processus, chaque idée naissait un peu de son côté.
Quand j’écoute l’album aujourd’hui, je ressens ça : chaque morceau a son propre univers. Mais on a quand même fini par se retrouver en studio, tous ensemble, pour tout enregistrer. Ce qui était intéressant, c’est qu’on avait plus de liberté pour expérimenter, chacun à notre manière. Et paradoxalement, plus on explorait, plus on se rendait compte que ce qu’on savait faire de mieux, c’était simplement de jouer ensemble. Finalement, l’album est composé de moments forts, plus que d’un récit linéaire.
LFB : Cette longue période d’éloignement a-t-elle bousculé votre dynamique d’écriture collective ?
Noah : Oui, ça a été un vrai défi. Après une année sans se voir, il a fallu se retrouver, prendre des nouvelles, partager ce qu’on avait chacun de notre côté, et surtout essayer de retrouver une cohérence. Il y avait énormément de morceaux, peut-être même trop pour tous les explorer en détail. C’est toujours un équilibre entre partir chacun de son côté et revenir ensuite avec de nouvelles idées. À chaque fois, il faut réapprendre à se reconnecter. Cette fois-ci, on était vraiment moins présents dans les univers respectifs des uns et des autres, ce qui a forcément influencé la manière dont on a travaillé.
LFB : Est-ce que tu le referais ?
Noah : Je pense que ce sera toujours un peu similaire, oui. Mais je n’aimerais pas refaire les choses exactement comme on les a faites cette fois-ci, car tu n’as jamais envie de faire les choses de la même manière. Tu veux toujours que ce soit un peu différent, que ça évolue. On est constamment en train de chercher de nouvelles façons de faire de la musique. Et je crois que la prochaine fois, ce sera encore plus différent. Même l’idée qu’on joue tous ensemble dans une même pièce, ça pourrait changer. Peut-être que chacun écrira de son côté, et viendra avec des morceaux presque terminés à proposer au groupe. On est un peu à un moment où on a envie de faire évoluer notre façon de créer, de redéfinir ce qu’est Parcels, quelque part.
LFB : LOVED a été composé entre Berlin, le Mexique et l’Australie. Est-ce qu’il y a des souvenirs ou des moments liés à ces lieux qui ont influencé les sons ou les thèmes de l’album ?
Noah : Oui, clairement. Les lieux changent toujours, d’une manière ou d’une autre, la manière dont la musique sonne, l’ambiance du studio, la météo… Tout ça finit par faire partie du processus de création, l’environnement joue un rôle énorme. Les morceaux qu’on a faits au Mexique avaient une vraie identité. Surtout quand on était dans le studio à Mazunte, sur la côte. À ce moment-là, on faisait une musique assez légère, avec un côté latino, plage, très détendu.
Certains de ces morceaux sont restés, comme Leaveyourlove, et d’autres dans le même esprit. Mais quand on est arrivés à Sydney, on avait une idée beaucoup plus précise de ce qu’on voulait. On avait passé beaucoup de temps à se préparer, pendant des mois voire des années. Et au moment d’enregistrer ce qui allait devenir l’album, on savait exactement ce qu’on voulait faire, comment on voulait que ça sonne. On était plus méthodiques, plus conscients de notre démarche.
Mais l’environnement a toujours influencé notre musique. Quand j’écoute l’album, je ressens une sorte d’énergie qui, je pense, est née au Mexique. On a eu beaucoup d’inspiration pendant ces premières sessions. On a passé de super bons moments là-bas, entre les concerts, les journées au bord de la mer, le surf, le travail en journée… Ce lieu a vraiment marqué l’album, à mon avis. Après, la majorité de l’album a été enregistrée à Sydney. C’est un cadre qui nous correspond bien. Travailler avec des ingénieurs australiens, boire un café avec des locaux le matin, se sentir à l’aise… Il y a une forme d’évidence, de naturel, qui a sans doute aidé les chansons à fonctionner.
LFB : Sur cet album, on ressent autant d’euphorie que de moments de réflexion intime. Comment avez-vous réussi à garder cet équilibre entre la joie intense et l’honnêteté émotionnelle, sans basculer dans la nostalgie ou la tristesse ?
Noah : Je pense que cet équilibre se fait assez naturellement. Quand on est tous les cinq dans une pièce, il y a une sorte d’énergie, une dynamique de groupe qui fait qu’on s’amuse, on ne se prend pas trop la tête. C’est quelque chose de spontané. Et en même temps, les chansons, elles, viennent souvent d’un endroit plus profond, plus personnel, très réfléchi, parfois même très intime pour la personne qui les a écrites. Et ce contraste, je pense que ça a toujours été l’une de nos forces : prendre une chanson intime, et la faire exploser de vie ensemble. Quand on se met à la jouer tous ensemble, à chanter à plusieurs voix, on la transforme, on la rend plus euphorique qu’elle ne l’était à la base.
Pour cet album, on a aussi fait un vrai choix : celui de ne pas aller trop loin dans l’introspection. Il y avait plein de morceaux beaucoup plus personnels, plus mélancoliques, qui n’ont pas été retenus, volontairement. On voulait vraiment que l’album soit léger, fun. Parce que Day/Night était assez sombre, profond, parfois difficile. Là, on voulait quelque chose de plus simple, plus joyeux. Mais malgré ça, on a quand même laissé un peu de mélancolie ici et là. Même dans certains morceaux qui sonnent légers musicalement, les paroles peuvent être assez sombres. Et c’est quelque chose qu’on aime faire : créer un contraste entre un univers musical lumineux et des textes plus profonds, parfois tristes. Cette dissonance est importante. Elle donne un équilibre intéressant.
LFB : Comment décrirais-tu ton climat émotionnel pendant que tu travaillais sur cet album ?
Noah : Je me souviens que c’était assez tumultueux. Je traversais une rupture, il y avait pas mal de choses importantes qui se passaient dans le groupe, et globalement, c’était une période plutôt difficile. Du coup, il y a une ironie, car souvent, quand les choses ne vont pas bien, la musique sonne parfois beaucoup plus positive que ce qu’on ressent vraiment, peut-être parce que c’est plus simple comme ça. Je ne sais pas si c’est mieux de contrebalancer les émotions ou au contraire de les suivre, d’accepter ce qu’on ressent, mais pour moi, l’album est un peu l’inverse de ce que ça a été de le créer.
LFB : Cet album aborde l’amour sous toutes ses facettes, à la fois belles et complexes. Est-ce que plonger dans ces émotions a été une sorte de catharsis pour vous pendant la création ?
Noah : Je peux aussi parler pour certains des autres membres du groupe : plusieurs chansons sont vraiment très personnelles, que ce soit des chansons d’amour ou de rupture, et ça a eu un effet libérateur. Quand tu es auteur-compositeur, ces morceaux deviennent souvent indispensables, une façon naturelle d’exprimer ce que tu vis. Pour ma part, les chansons que j’ai écrites sur cet album ne sont pas forcément des chansons cathartiques ou très profondes en termes d’amour, comme ça a pu l’être avant. Elles reflètent plutôt mes pensées, mes réflexions, mon côté un peu trop cérébral. Mais pour les autres, j’ai senti que c’était un vrai moyen de faire le point, de tourner la page ou de renouer avec certaines relations.
LFB : En parlant d’amour, il y a cette chanson qui s’appelle Summerinlove. Est-ce que l’été est la saison que vous associez à ce sentiment ?
Noah : Je ne sais pas, c’est compliqué… Je trouve que c’est justement ça qui est beau avec l’amour. Ça n’a pas vraiment de limites, ni d’associations fixes pour moi. C’est tellement multiple, étrange, immense et impossible à définir. L’été, c’est clairement une saison où on est plus à l’extérieur, où on sort, on rencontre du monde, on interagit plus qu’à d’autres moments. Parfois, je trouve que l’hiver est une saison plus chaleureuse, plus intime. Pour moi, l’été, c’est plutôt la saison de la passion, de l’infatuation, de la romance. Mais l’amour plus traditionnel, intime ? Peut-être que c’est plutôt l’hiver ou l’automne.
LFB : Le fait que le titre de l’album soit au passé donne une nuance particulière. Comment ce choix affecte-t-il le ton émotionnel de l’ensemble ?
Noah : Je pense que ça change la manière de voir l’amour, ce n’est plus une vision unidimensionnelle et positive. Le titre évoque plutôt cette part plus sombre, ce qui est passé, ce qu’on a raté, ce qu’on ne peut plus avoir, ce qu’on regrette parfois. Il y a aussi tous les aspects négatifs de l’amour, les cœurs brisés. C’est pour ça qu’on aimait bien ce titre, parce que c’est un mot un peu étrange. Quand tu y penses, LOVED au passé, ça sonne un peu bizarre, pas très agréable. Ce n’est pas franchement joli, pourtant ça vient du même mot que love. C’est ce qui nous a plu, c’était intéressant. Vu de loin ou au premier abord, ça semble simple, pas très parlant. Mais pour nous, il y avait suffisamment dans ce mot pour résumer l’album, pour englober tout ce qu’il contient.
LFB : Apporter de la joie aux gens vous tient à cœur. Quand il est difficile de la ressentir, que ce soit dans votre vie ou dans le monde, comment faites-vous pour vous reconnecter à cette énergie ?
Noah : Ça peut venir de plein de façons différentes. Je pense que ça passe souvent par la scène, en live. J’ai beaucoup réfléchi à ça ces derniers temps. Peut-être que le post-COVID y est pour quelque chose, parce qu’avant, on prenait un peu ça pour acquis : les festivals, les gens réunis dans une même salle… Mais après tout ça, tu réalises que c’est un besoin profond de la société d’être ensemble, de partager, d’écouter dans un même espace, de se toucher un peu, de se coller aux autres.
Souvent, je retrouve ce sens quand je vois la foule. Être au milieu d’elle, même quand je vais à un concert en tant que spectateur, c’est une sensation étrange et puissante qui te sort de toi-même. C’est une forme d’évasion. Ça te fait oublier ta vie, tes soucis, tes peines. Je dirais que c’est là la plupart du temps. Et parfois, c’est dans les messages que je reçois de personnes vraiment adorables qui me disent que notre musique les a touchés, changés, voire sauvés.
LFB : Comment as-tu évolué, personnellement et avec le groupe, pendant la création de cet album ?
Noah : Je crois qu’il a beaucoup été question d’apprendre à s’exprimer et à dire clairement ce dont on a besoin. C’est une nouvelle étape pour Parcels où chacun peut dire : « J’ai besoin de ça pour me sentir bien. » Individuellement, on sait ce qu’on veut, et ensemble, on arrive à avoir de vraies discussions sur ce qu’on souhaite, ce qui nous impacte, comment on peut être créatifs et épanouis.
C’est important que chacun se sente bien et inspiré, heureux dans le groupe et son rôle au quotidien. Il faut pouvoir avoir ces conversations, souvent difficiles, en trouvant la force de dire ce qu’on ressent sans honte ni gêne. C’est un vrai travail émotionnel, un apprentissage de la confiance en soi, en disant : « Je ressens ça, et c’est normal. Comment faire pour qu’on se sente tous super bien ? » Je pense qu’on fera la meilleure musique qui soit tant qu’on sera dans cet état d’esprit.
LFB : Au fil des années, votre chant est devenu plus libre et expressif. Vous semblez aussi plus à l’aise avec l’improvisation. Y a-t-il eu des moments en studio où cette liberté a donné naissance à quelque chose d’inattendu ?
Noah : Oui, ça arrive souvent aujourd’hui parce qu’avant, on était beaucoup plus rigides, très répétitifs, on voulait que tout soit parfait. On refaisait, éditait, modifiait sans cesse. Maintenant, on accepte davantage les erreurs au début des sessions, que ce soit des harmonies non arrangées à l’avance ou des fausses notes que je peux faire. Il y en a beaucoup dans mon jeu ! Par exemple, dans Summerinlove, j’ai fait une fausse note totale, mais ça a créé un truc génial. On a essayé de la reproduire en répétition, mais je n’arrivais pas à retrouver exactement ce que c’était. C’était juste ce petit moment parfait, une erreur parfaite qu’on a gardée.
LFB : Quand vous jouez dans de grands festivals comme Glastonbury ou Coachella, comment faites-vous pour adapter le son du studio à la scène ?
Noah : On essaie que notre son studio soit le plus proche possible de ce qu’on va jouer en live. Avant, on faisait la musique puis on essayait de la modifier pour la scène, mais ça ne marchait pas trop. Au final, on est revenus à l’essentiel : jouer ensemble dans une pièce. Du coup, le son studio ressemble beaucoup à ce qu’on peut faire en live. Il y a peu de surcouches à remplacer ou à retravailler.
Parfois, on doit un peu réarranger les morceaux, enlever des lignes de guitare ou modifier un peu la structure pour que ça marche avec les instruments qu’on a sur scène. Mais en général, on rend le live un peu plus intense : on accélère parfois, on change le groove pour que ça prenne mieux sur les grandes scènes. On fait des transitions, on mélange les morceaux, on crée de nouvelles parties instrumentales pour mettre en valeur les chansons, ou de longs outros qui s’étirent. C’est un de nos points forts, ce travail collectif pour faire vivre la musique autrement sur scène.
LFB : À l’heure où tout devient numérique, quelle place la musique live occupe-t-elle pour vous ?
Noah : Pour être honnête, j’ai un peu de mal avec la musique live ces temps-ci. Je viens de dire que c’est super d’aller à des concerts et que c’est incroyable de voir la foule, mais je suis surpris que quelqu’un tienne le coup. Peut-être que je vieillis. (rires) Quand je vais à un concert, je me dis « oh, je suis tellement fatigué », et au bout d’une heure, je me dis « c’était sympa, ça fait plaisir de vous voir ». Mais je vois bien que ça va durer éternellement.
Dans ce monde de digitalisation, d’IA et tout ce qui arrive, la musique live ne pourra jamais être remplacée. Ce sera toujours le summum, heureusement, parce que je pense que les humains s’intéresseront toujours les uns aux autres. Ça existera toujours, toujours quelque chose à vivre, à faire évoluer, à améliorer. Pour moi, le meilleur moyen d’écouter de la musique reste dans une petite salle, je cherche plus que jamais cette intimité. Je suis allé voir quelques petits concerts récemment, des soirées jazz-folk, c’était vraiment bien. Et c’est comme ça que je veux être, le plus proche possible des artistes. Plus je suis loin, moins ça m’intéresse.
LFB : Que souhaitez-vous que le public ressente après avoir assisté à vos concerts ?
Noah : Je ne sais pas. Avant, je voulais qu’ils aient l’impression qu’on était le meilleur groupe du monde, qu’ils repartent en état de béatitude totale, d’euphorie, enveloppés dans quelque chose de plus grand que la vie. Maintenant, je pense que c’est peut-être trop demander. Je n’attends plus ça. J’espère juste qu’ils prennent du plaisir, qu’ils passent un bon moment. Qu’ils repartent avec, je ne sais pas, un peu d’amour dans le cœur, ou quelque chose comme ça. J’ai vraiment baissé mes attentes sur l’impact que je peux avoir sur les gens. On fait notre truc, on joue nos morceaux, et c’est tout. J’espère juste qu’ils ne pensent pas que c’était une perte de temps.
LFB : Si LOVED était écouté dans cinquante ans, qu’aimeriez-vous que les auditeurs en retiennent ?
Noah : C’est une bonne question. Ce serait intéressant de voir où en sera la musique dans cinquante ans. Est-ce que des groupes se réuniront encore dans une même pièce comme ça dans cinquante ans ? Peut-être que ce sera fini. Alors ce disque pourrait être un vestige, un dernier témoignage d’un vrai groupe dans un vrai studio, jouant de vrais instruments ensemble. Ce serait sympa que ce soit ça qui ressorte, cette énergie et cette vie qu’il y a encore dans la vieille manière d’enregistrer et d’être un groupe, à une époque de pop stars.
Et peut-être que dans cinquante ans, si on écoute ce disque, ce serait chouette d’être rappelé comme un groupe. Car pour moi, ce qui fait la clé de cet album, c’est l’énergie. On sent qu’on est tous dans la même pièce, qu’on s’amuse tous ensemble. Cette énergie d’un groupe de gars qui collabore, qui s’éclate, qui fait de la musique pleine de vie. On sent l’espace, c’est palpable. Je pense que c’est ça qui restera dans les mémoires, de nous en tant que groupe.
LFB : Enfin, as-tu un coup de cœur récent à partager avec nous ?
Noah : Ce que je lis en ce moment ? Je m’intéresse à la méditation transcendantale, donc je lis un livre sur ça. Sinon, côté films ou séries, j’ai regardé une série qui s’appelle Jury Duty, et c’est vraiment génial. C’est un peu la version réelle de The Truman Show. Ils ont recréé une salle d’audience où tout le monde est acteur sauf un gars, qui ne se doute de rien, et ils le taquinent un peu. C’est fascinant à regarder. C’est le gars le plus gentil du monde, tout le monde tombe sous son charme parce qu’il encaisse tout avec le sourire. Ils ont vraiment mis en place un Truman Show en vrai. Je recommande à fond, c’est très, très drôle.
ENGLISH VERSION
La Face B : Congrats on the release of the new album ! How are you feeling about it ?
Noah : Thanks. I’m pretty relaxed and chilled to be honest. It’s a funny thing when you release a record, it takes so long to happen and by the time the day arrives you’re kind of like, ah, today’s the day. And we’ve had a few weeks off, so I’m kind of in holiday mode. And so today I’m really entering this, I’m kind of connecting to the album again for the first time today. I listened to it on the plane, on the way here. There’s a very special feeling when you play the album on Spotify yourself for the first time. You press play and you pretend like you’re somebody else or like that you didn’t make it. And it was a nice feeling, it sounded great and I was proud of it, I was stoked. I’m happy with the process.
LFB : Day/Night is an album that was created under intense conditions compared to LOVED, which has the opposite energy. You had a year off from touring before making this album and I was wondering how did this break shape your creative process when you returned to composing ?
Noah : The songs were less rehearsed. The Day/Night one was different because we were together all the time and we had spent months and months in a rehearsal room just like practicing and getting them live and things like that. So, because we were so separate and us songwriters were so like in literally different parts of the world, the songs kind of came together much more like song by song. So, just more separate I guess. More separate, more individual and if I listen to the record it’s really like, oh there’s a song here, there’s a song here.
We still came together and made it inside of the studio together in one room. But there was a lot more freedom to just figure out our own music and our own songs, and more time to experiment. But it was funny, the more we experimented, the more we realized that we were just good. The best thing that we could do, or the most natural thing, was for us to play together in a room. So, it was very like moments rather than a long story, I’d say.
LFB : Did being apart for months challenge your collective songwriting process ?
Noah : It did. It was very strange. Because we had to like reconnect after like a year and be like hey, how are you going and what have you written and try and get on the same page as each other and there was just so many songs. There was just like too many songs to count or to go through. I think it’s always the same. It’s like a push and a pull in terms of going away and then coming back and it’s always a similar feeling of like reconnecting with everybody. We were less in each other’s worlds than we normally were.
LFB : Would you do it again ?
Noah : I think it’s going to always be somewhat similar. But I wouldn’t want to do it the way that we did it this time again. I think you don’t ever want to do it the same way again. You always want it to be a little bit different and to change, and you’re always finding different ways to make music. And I think for the next time it’s going to be more different. I think that even the whole concept of us playing in a room together may even change. And maybe individuals will just be writing songs and bringing potential finished songs to the group. I think we’re at the point where we’re wanting to actually change how we make music and redefine what Parcels is in some ways.
LFB : LOVED has been composed across Berlin, Mexico and Australia. Are there any moments from these places that influenced the sounds or themes on this album ?
Noah : Yeah, the places always kind of change inevitably what the music sounds like, what the studio feels like, what the weather is. It’s all so a part of making music in the end, just your environment. The songs in Mexico had a real feeling to them. Especially when we were down in the studio in Mazunte, on the coast of Mexico. At the time we were making really funny, Latin, beachy kind of music.
Some of the songs made it on, like Leaveyourlove, and a few of these kind of things. But by the time we got to Sydney we kind of had more of an idea about what we wanted. We did a lot of preparing for many, many months and years. And then by the time we went in to record what ended up being the album, we were sure about how we wanted it to sound and what the approach was. And we were much more clinical and aware of what we were doing. But the environment for us has always changed how the music sounds.
When I listen to the record, there’s definitely this like energetic flavour that I feel like was probably born in Mexico. I feel like there was a lot of inspiration during those early sessions here and we had a great time there as a group and hanging out and playing gigs and staying by the beach and going surfing and working during the day. That place really had a great impact on, I think, the sound of the record and where we were. We ended up recording the most of the record in Sydney, it’s a very natural place for us to be in that environment. You’re with Australian engineers and you get a coffee down in the morning with an Australian person and you’re feeling kind of very at home and in your element. So, there was probably a naturalness about that that allowed the songs to work.
LFB : Euphoria is an omnipresent feeling on this album, just as much as personal reflection. Can you tell me how did you reach that balance between exuberance and emotional honesty without tipping into some kind of nostalgia or melancholy ?
Noah : Well, I think the balance between those two happens naturally in that when we’re a group, we kind of, when there’s five people in a room, that euphoria or that energy or that like group dynamic of having fun and not trying to overthink things is natural. But then the songs themselves are oftentimes like done with a lot of deep thinking or deep emotion or deep thought and are very personal to the people who wrote them. And so, that’s often been a good dynamic, I guess, of us. It’s like having these kind of really beautiful, intimate songs that get brought into the group and then the group just kind of like bursts life into it and changes it and then we all get in a room and we sing together and we make it feel more euphoric. More euphoric than what it is even.
We kind of made it a conscious decision not to go too deep with this record. There were so many songs that were much more personal and melancholic. That didn’t end up making it on the record just by pure decisiveness. We actually just wanted it to be a light, fun record. Because Day and Night was so deep and dark and introspective at times, we just wanted it to feel really fun and easy. But at the same time, there are some moments we always need to sprinkle in a little bit of melancholy. Even with some songs that may feel light instrumentally, the lyrics are actually quite dark. And it’s fun to just block them together and make it this light instrumental while making the lyrics quiet. Having that contrast is kind of necessary and it creates a nice level of dissonance.
LFB : If I asked you about your own personal emotional climate during the making of this album, how would you describe it ?
Noah : I remember it being kind of tumultuous, actually. I was going through a breakup, there was big stuff going on inside the band, and I remember it actually being a pretty difficult time, generally. So there’s an irony there that often happens when things are’’t going well that sometimes the sound of the music comes out much more positive than the true emotions of it because maybe it’s easier some way. I’m not sure which way is better, to counter it and go against it or to lean into what it is, how you’re feeling, but for me, the record kind of is the opposite of what it was like to make.
LFB : The theme of love is explored deeply throughout this album, capturing both its beauty and intricacy. Did exploring these emotional layers offer you a sense of catharsis during the writing process ?
Noah : I can speak for some of the guys as well, that I know that some of the songs are very personal love songs or breakup songs, and that helped. They’re kind of necessary, if you’re a songwriter, they just become a necessary part of your life to create them, and it has to be… It’s a natural part of our lives to express ourselves in that way, and for me personally, the songs that are on the record, the ones that I wrote, they weren’t necessarily cathartic ones.
They weren’t these deep love songs that they have been in the past, but they were true and honest, they were more about my own brain, my own thoughts and my own overthinking. But for the other guys, I got a sense that it was quite cathartic and it was a way of moving away from things or moving back towards relationships that they were having.
LFB : Speaking about love, there is this song called Summerinlove. Is summer the season you associate with this feeling then ?
Noah : I don’t know, it’s hard to say… I think that’s the beautiful thing about love. It doesn’t have any boundaries, it doesn’t have any pure associations for me. It’s so multifaceted and so strange and large and undefinable. Summer definitely has a feeling of outwardness and being out and going and engaging and interacting with other people more so than you may do. Sometimes I actually find winter more like a loving, intimate place. Summer for me is like the season of infatuation or of passion and romance. But love in a more traditional, intimate way ? I don’t know, maybe it’s more like winter or autumn
LFB : To me, the album title carries a powerful emotional nuance being in the past tense. How does this past tense choice impact the emotional tone of the album ?
Noah : I think it changes it from being a one-dimensional positive way of looking at love and references this kind of darker undertone of things that have come and gone or things that you missed out on or things that you can’t have again and things that you regret even. Also, just the negative aspects of love as well and the heartbreak of it. That’s why we felt good about that title because it was a weird word in a way.
When you think about it, LOVED in the past tense is kind of eerie. It’s kind of not very pleasant. It’s not really actually that nice, yet it’s all wrapped up in the same word as love itself. That’s why it was interesting for us and that’s why it felt cool. In its from far away or on first glimpse, it doesn’t seem very interesting or it seems a bit simple or something. There was enough in it for us that encapsulated the record and encapsulated a lot of the things that were in it.
LFB : Giving people joy is a powerful thing to you. In times when joy feels harder to access, whether it’s personally or globally, how do you reconnect with that purpose ?
Noah : It can happen in lots of different ways. I guess live, sometimes I’ve been reflecting on it. Maybe it’s a post-COVID thing where you start really seeing the value in it. Before, you kind of took it for granted and you were like, yeah, people get together in festivals, people in one room. What does it mean or why do we do it ? But then post, you recognise that it’s this deep societal need to be together, to hang out, to listen in spaces, to connect, to rub against shoulders of people.
So I often find that purpose sometimes there. When I see a sea of crowds, it’s something about being in it. Even if I’m at a show personally, like I just went to a stadium show the other day in London and you’re just in this crowd of people and it’s just a weird, interesting feeling that it can pull you out. It’s an escape, really. It’s an escape from your life, an escape from whatever woes or sorrows you have. I guess it’s there most of the time. Or sometimes it’’ in messages that I get as well from really cute people who say that the music’s touched them or changed their lives or just saved their lives sometimes.
LFB : What personal or collective growth have you experienced during the making of this album ?
Noah : I think it’s been a lot to do with people being able to be good at standing up and saying what they need. It’s been a new era of Parcels where individual members are able to be like… I need this to feel good. Individually, I want this. And then us all being able to have great conversations about… Okay, you want that. That’s affecting me in this way. I also need this and I want to be creatively fulfilled in this way.
We all actually have to just feel good and inspired. And happy with our place and roles and what we do day to day. It’s that true recognition of valuing each of us and be able to have these deep, often times hard conversations. But you need to find the strength inside of yourself to say what you need, and not to feel embarrassed or ashamed. That’s been a big learning, emotional process. And have the confidence to be like, I feel this and it’s okay to feel that way. How can we do it so we all feel really great ? And I think we’ll make the best music as long as we’re in that place.
LFB : Over the years, your singing has grown more free and expressive. You also seem to have become more at ease with improvisation. Are there any moments in the studio where that freedom led to something unexpected ?
Noah : Well, there’s lots of ways that happens these days because in the past we were probably a lot more rigid and a lot more rehearsed and things had to be really, really specific and perfect and we would do it over and over or we would edit it or change it. These days we allow the mistakes in the start of the studio more and that can come in from the harmonies just being not even prearranged and just allowing them to be sung in their own way or me hitting a wrong note.
There’s a bunch of wrong notes in my playing and there’s one particular in Summerinlove where I hit this totally wrong note and it just created something really, really great. I don’t even, we tried rehearsing it the other day and I can’t even figure out what exactly it was. I could but I don’t know, it was just this little moment and I was like, oh, I wish I had done that more but this is one of those little perfect mistakes kind of thing that you leave in.
LFB : With performances at major festivals like Glastonbury or Coachella for instance, how do you approach translating your studio sound to the live stage ?
Noah : We kind of try to make our studio sound as close to what the show is going to be. I think in the past we tried to, we made music and then tried to change it to it live but that was a process that was kind of not that successful. It didn’t really feel right. In the end we just went back to playing music together in the room and so the studio stuff is very, very close almost to how we can play it live. There’s not too many overdubs that we need to replace or figure out how to make the song work. A little bit you do, you need to rearrange it a little bit. Maybe there’s different guitar lines that aren’t there or things and you need to just slightly shift the arrangement to make it work with just the instruments you can literally use.
But also we tend to make the live stuff more elevated. Maybe we’ll speed it up a little bit or maybe we’ll make it more fall to the floor or we’ll change the groove a little bit to make it just feel right on big stages. We’ll shift things just kind of naturally like that to make sure that they’ll work. And then we’re kind of building new sets all the time. One of our strong suits I guess is being in a room together, making transitions, blending songs together and creating new instrumental parts that accentuate the song already or making a huge outro on a song. That tends to happen a lot, just long outros.
LFB : In the current digital age, what does live music mean to you ?
Noah : I actually really struggle with live music these days to be honest. I just mentioned it’s very nice to go to gigs and it’s amazing to see crowds. But I’m surprised anyone can. Maybe I’m just getting old or something. (laughs) I just go to a gig and I’m like, oh, I’m so tired. And after the first hour I’m like, ah, it’s been good. It’s been good to see you. But I do see that it’s going to be forever. In this world of digitisation or AI music and all this stuff that’s happening, you just won’t be able to replace live music.
It will be the ultimate pinnacle I think, forever luckily because I think humans will always be interested in each other. And that will always be there and always something to be a part of and work on and be better at. I think my favourite way to go and listen to music is in a small venue. I’m searching for more intimacy than ever. I went and saw a gig recently, a few small gigs, and I was just sitting down. It was like a folky jazz night. It was just so good. And that’s how I want to be as close to the person as possible I think. The further I get away, the less interesting it becomes.
LFB : When playing live, what do you wish audiences take away from your shows ?
Noah : I don’t know. I used to want them to feel like we were the best band in the world or something. For them to walk away with this total bliss and euphoria and be wrapped up in whatever it was. Like it was larger than life. And I think now I just, I think maybe it’s just too much of an expectation to have. And I just wouldn’t expect that anymore. Maybe just to feel, just to enjoy themselves. And walk away with, I don’t know, some love in their hearts or something. But I’ve really lowered what my expectations are on my impact on other people. You can’t really. You play, you do your best, you play your songs and that’s it. I hope they don’t think it was a waste of time.
LFB : If LOVED could be played to an audience fifty years from now, what do you hope they understand from it ?
Noah : That’s a good question. It’d be interesting to see where music will be in fifty years, I guess. Whether bands will still get into one room like that in fifty years. Maybe that just has stopped happening. So I guess it, maybe it may be a remnant, one last remnant of a real band in a real studio, playing real instruments together. So maybe that would be a great takeaway of the energy and life that still exists in the old style of recording and being a band in a world of pop stars.
And maybe in fifty years, if they heard this record, it’d be nice to be remembered as a band. I feel like the key of this record is the energy. You can feel all of us in one room, we’re all having fun. And that energy of being a bunch of boys just collaborating and having fun. And being in the same room and making energized music. You can feel the space and it’s tactile. I think it would just be that in memory of us as a group.
LFB : Do you have any book, film, or music you’ve really loved lately and would like to share with us ?
Noah : What am I reading at the moment ? I’m actually kind of into transcendental meditation at the moment, so I’m reading a transcendental meditation book. What else have I been reading ? Or movies ? Oh, I’ve actually been watching this TV show called Jury Duty, and it’s really amazing. It’s kind of like the real version of The Truman Show. And they create this courtroom and the only person, there’s only one guy who doesn’t realise it’s not, everyone is actors except for one guy, and they just kind of mess with him. And it is so fascinating to watch. He is like the sweetest guy ever. Everyone falls in love with him because he’s just rolling with the punches. They’ve really set up a real-life Truman Show. I can highly recommend it. It’s very, very funny.