Les clips de la semaine #245 – partie 1

Le groupe toulousain Cathédrale nous prépare gentiment à sa cinquième frappe. Ne reste plus qu’à attendre le 14 février pour enfin rencontrer Poison, cet uppercut que nous espérons. En attendant, quoi de mieux qu’un petit single à se mettre sous la dent. Ainsi, c’est avec Where The Fire Is que nous allons patienter jusqu’à la date fatidique.

Atmosphère lugubre au premier plan. Avec un parti pris en noir et blanc, on longe les courbes d’un corps inanimé en écoutant des paroles se rapportant aux champs lexicaux liés à la mort, la solitude, la dépression, l’exil émotionnel et tout ce qui tourne autour. Rapidement, cette enveloppe corporelle s’éveille brutalement à la manière d’une zombie. La déambulation commence.

Elle se déroule dans les tréfonds d’une grotte et le personnage qui l’explore semble perdue dans ce vaste trou béant. On peut faire un parallèle avec ce qu’on peut ressentir lorsque tous les voyants se mettent au rouge en nous pour laisser la place au noir qui s’inscruste. Comme aspirés dans un trou noir, il est souvent ardu de s’en dépêtrer. Cet aimant nous aspire et nous laisse dans une servitude absolue alors même que cette noirceur ne nous ressemble pas.
Cathédrale tient une ligne continue dans Where The Fire Is. Pas de grandes envolées donc. Cependant, on leur trouve une noirceur qu’on ne leur associait pas auparavant et des thèmes plus graves et marqués. Le morceau est entêtant et confortable. On lui prête certaines caractéristiques du post-punk tout en gardant un côté pop très agréable qui vient aciduler le propos. Alors, vivement le 14 février pour en découvrir un peu plus !

Après Limerence, Lucy Dacus, artiste folk-rock à la voix de velours, sort cette semaine Ankles, le deuxième single de son album à venir.

Pour illustrer ce morceau sur le désir et le contrôle de soi, le clip suit Lucy Dacus dans une imposante robe baroque rouge, traquée puis escortée par une jeune femme (l’actrice Havana Rose Liu) dont le costume-cravate strict contraste avec l’extravagance de Dacus.

Ensemble, elles traversent Paris, sous le regard amusé des passants. La femme au costard semble agacée face à la résistance de l’artiste, mais s’efforce de préserver sa robe intacte, alors qu’elles s’aventurent dans le métro ou parcourent les pelouses du parc des Buttes Chaumont. Elles développent finalement une affection l’une pour l’autre, alors que s’achève leur épopée… le plan final, qui donne tout son sens à cette belle histoire, mérite d’être tenu secret au risque d’en gâcher la magie. 

M. Amberson réalise un clip poétique et décalé, scénarisé par l’artiste elle-même, où se succèdent des tableaux touchants, parfois humoristiques, à l’esthétique toujours impeccable. L’évolution de la relation entre ces deux personnages, qui passe dans le regard, tout en retenue, colle parfaitement au propos du morceau. Le titre – « chevilles » en français – suggère d’ailleurs à la fois cette retenue, cette pudeur, et une forme de sensualité, exprimée très clairement dans les paroles. 

Plus connue ces dernières années pour son trio Boygenius formé avec Phoebe Bridgers et Julien Baker, dont l’album the record sorti en 2023 a été largement acclamé par la critique, on est ravi de voir Lucy Dacus dévoiler une nouvelle étape de son projet solo. Ce deuxième single ne fait qu’accroître notre impatience à l’approche de son album Forever Is A Feeling, attendu pour mars. 

Lémofil donne une deuxième vie à son titre Ceux qui restent, dont la première version était sortie en 2021.

Il s’accompagne d’un clip qui parvient à capturer magnifiquement la mélancolie de cette chanson dédiée à celles et ceux qui restent en arrière quand un être cher s’en va. En cela, elle fait joliment écho au morceau Le Grand Départ, dont on vous parlait ici.

Dans cette version de Ceux qui restent, plus intime, l’artiste est accompagné de Martin Vigne au piano et Marion Gourvest au violoncelle. L’arrangement épuré donne encore plus de force à cette lettre adressée aux absents. Les images touchent par leur justesse, la voix de l’artiste par son intensité, qui va crescendo. Elle porte le poids de la solitude, mais aussi la colère de l’abandon. Reprenant les mots de poètes comme Lamartine ou Léo Ferré, il évoque le manque, voire le deuil, et doute que le temps atténue la douleur. 

Le clip, réalisé par Solal Moisan, voit l’artiste revenir dans son village enneigé. Il rejoint ses musiciens et musiciennes dans un salon à l’atmosphère chaleureuse, où brûle un feu de bois. La pièce est peu à peu vidée par des déménageurs, que la musique n’arrête pas. La caméra mobile qui filme en plan séquence nous plonge dans le tourbillon d’émotions que procure l’absence, et les murs blancs rendent cette dernière tangible. 

Cette nouvelle version et son clip constituent un bel hommage à ce morceau touchant, l’un des tout premiers sortis par l’artiste. Il sera d’ailleurs en concert aux Étoiles le 10 avril, l’occasion de découvrir en live la poésie moderne de Lémofil. 

Actuellement en tournée avec The Libertines, avec plusieurs dates prévues en France en février 2025, Peter Doherty revient sur le devant de la scène avec son cinquième album solo, Felt Better Alive, dont la sortie est annoncée pour le 16 mai prochain. Ce nouvel opus, qui arrive neuf ans après Hamburg Demonstrations, se distingue par une joyeuse insouciance tout en conservant l’ADN mélodique caractéristique de l’artiste, une poésie réaliste et décalée, et une narration visuelle, marque de fabrique de Peter Doherty.

Pour nous faire patienter et donner un avant-goût de cet album, il dévoile cette semaine le premier single éponyme, Felt Better Alive, un morceau folk-country rythmé par des pedal steels et sublimé par de belles envolées de violons.

Peter décrit Felt Better Alive comme une chanson au style enjoué, presque country. « Le refrain me touche particulièrement : ‘And I’d always planned / To sing in a sweet and soulful way as only cowboys can / But my saddle strap snapped like a dog-chewed tourniquet…’. C’est une métaphore précise de certains moments de ma vie », confie-t-il.

Dans une interview accordée à NME, il ajoute : « Pour moi, Felt Better Alive est l’équivalent anglais de Pancho and Lefty. C’est une chanson sur l’âme d’un vieux cowboy rock’n’roller désabusé, toujours sur la route, essayant de tenir bon pour continuer à faire ce qu’il doit faire. On ne peut pas lutter contre le temps, vous savez. On perd toujours. »

Ce morceau explore des thèmes profonds tels que la nostalgie, la résilience et le poids du temps sur l’existence de l’artiste. Tout au long de la chanson, Peter Doherty tisse des images poétiques, comme un artisan, évoquant cette quête incessante d’un sens et d’une émotion authentique à travers la musique et la vie.

Le clip de Felt Better Alive a été réalisé par la cinéaste française Rose Bosch (1492 : Christophe Colomb, La Rafle), en collaboration avec TwinPiix. Il met en scène les actrices françaises Sophie Renoir, dans le rôle de la Mort, et Laura Genovino, dans celui de la Vie. Tourné début décembre à Étretat, en Normandie, le clip rend hommage à la beauté naturelle de cette région où Peter Doherty et sa famille se sont installés il y a quelques années.

Le clip débute par une vue majestueuse des célèbres falaises d’Étretat, où l’on découvre Peter Doherty allongé près des vagues, une guitare et une rose posées à ses côtés sur le rivage, au son apaisant de la mer. Il raconte une quête poétique à travers Étretat : ses plateaux, ses falaises, ses jardins et la Manneporte. Peter Doherty y incarne un genre de cowboy romantique errant en quête perpétuelle de la jeune femme à la rose, une allégorie de l’espoir et du passage du temps.

Le chanteur canado-brésilien Fernie nous offre un aperçu saisissant de son prochain EP Hopeless Dreams à travers le clip éponyme réalisé par Thomas Fontaine. Prévu pour le 14 février prochain sur le label Secret City Records, cet EP marque une nouvelle étape dans la carrière de l’artiste, connu pour son R&B cinématographique et ses textes empreints de vulnérabilité.

Le clip de Hopeless Dreams nous plonge dans une ambiance sombre et nébuleuse, où chaque image semble une fenêtre ouverte sur un rêve introspectif. Le traitement visuel, à la fois brut et onirique, reflète parfaitement l’univers brutaliste imaginé par Fernie. Une esthétique à la fois déroutante et magnétique, qui invite le spectateur à se perdre dans les méandres de l’esprit tourmenté de l’artiste.

Fernie explique que ce titre est né d’un moment de catharsis, après la fin d’une relation toxique de cinq ans. Ce sentiment d’épuisement émotionnel transparaît dans chaque note et chaque plan du clip, où la colère et la tristesse se mêlent pour raconter une quête de résilience.Hopeless Dreams s’annonce comme un EP intense et introspectif, revisitant les traumatismes et relations marquantes du passé de Fernie, pile ce qu’il nous faut pour la Saint Valentin ! En attendant sa sortie, vous pouvez retrouver l’artiste sur scène à Montréal, Québec et Toronto en février. Un voyage à ne pas manquer pour plonger encore plus profondément dans cet univers aussi personnel qu’universel.

Si l’on nous demande ce que l’on a pensé du dernier clip de Richard Dawson, Gondola, on l’avoue, on est tenté de s’en remettre à ce commentaire d’un internaute : « it’s 9 am and I’m crying in my coffee ». Non pas parce que l’on manque d’inspiration, mais parce que le dit commentaire, au fond, a quelque chose de parfait en ce qui concerne la musique de Dawson – et son clip, réalisé par le collectif Clump. 

Une grand-mère avec un air mélancolique chante dans un sm57 – c’est un microphone tout ce qu’il y a de plus prosaïque. Dans son salon, sur un parking britannique, dans le reflet d’une flaque d’eau. Mais sa voix n’est pas la sienne, c’est celle de Richard Dawson qui raconte son histoire. Rarement lip sync aura-t-il été si bien réussi. Parce qu’on s’y projette : Dawson donne voix à celles et ceux qui ne peuvent ou ne veulent pas parler. Ici, la grand-mère qui souffre d’avoir vu ses rêves mourir « comme des dauphins dans un filet ». Qui aurait aimé qu’on l’appelle plus souvent. Qui se demande combien d’années il lui reste. 

L’artiste britannique ne s’interdit rien. Ni les envolées en voix de tête, ni les structures asymétriques. Sa beauté à lui est affaire de déséquilibre. L’objet est unique parce qu’il est étrange, mi-folk, mi-punk, évident et complexe tout à la fois ; prosaïsme où, lorsqu’on s’y attend le moins, surgit la poésie extrême d’un détail. La grand-mère, en bout de chanson, s’offre un voyage à Venise avec sa petite-fille. Sur une note que personne n’anticipait, une gondole apparaît et clôture le morceau. Parce qu’elle n’était pas attendue, Dawson restitue à la gondole tout son miracle. Il ne fallait pas que cela fût, et pourtant cela est. Alors, désormais, on attend avec impatience son huitième album End of the middlequi paraîtra le 14 février. Et ce, pour une raison très simple : « It’s 9 am and I’m crying in my coffee